Share

Tweet

Share

Share

Email

Comments

Текст  и фото – Маша Хинич. Иллюстрации предоставлены пресс-службой  Музея Израиля https://www.imj.org.il/

Если бы я могла, я бы сфотографировала каждую из 240 работ этой выставки – все серии, все циклы, все истории о каждой работе и каждом художнике. Я бы сняла видео, собрала фильм, запечатлела бы всё, чтобы не потерялось ни одной детали. Впечатления огромные, как сама выставка: черно-белые и цветные, строгие и яркие – такие же, как и графика на экспозиции The Medium and The Message в Музее Израиля в Иерусалиме.
В трёх залах можно провести бесконечно много времени. Здесь собрана вся история печатной графики за шестьсот лет из коллекции Музея. По сути – выставка одного отдела – печатного, отдела графики и эстампов, одного из крупнейших отделов музея, в собрании которого есть всё – от ранних рисунков до сложных графических серий. Собрание полно и непрерывно: здесь нет «провалов» или утраченных звеньев.
60 лет музея, 600 лет печатной графики, 60.000 работ из которых кураторы выбрали 240. Десятки техник в которых не разобраться – потому есть видео с объяснениями. Техники печати настолько сложны, что по-настоящему понять их можно, лишь слушая объяснение самого художника, стоя рядом с ним в студии. Чтобы хотя бы немного разобраться, в залах установлены 10 видеоэкранов – по числу основных техник печати. Но на самом деле техник гораздо больше, и выставка приглашает вникнуть, разобраться и возвращаться снова и снова к медиа, которая остается авангардной и революционной.

 

А имена! Рембрандт, Дюрер, Уильям Хогарт, Гойя, Матисс, Пикассо, экспрессионисты, Раушенберг, Буржуа, Уорхол, Лихтенштейн – художники, придавшие графике удивительное совершенство. От Дюрера и его знаменитой «Меланхолии» до израильских художников наших дней.

Статистика выставки:
57 работ, которые показываются впервые и являются подарками к 60-летию музея – в основном от нью-йоркского фонда Pace Prints.
11 из представленных художников – женщины.
8 художников и художниц из Израиля.
Всего – 240 работ.
Отметим, что у отдела графики нет постоянной экспозиции – бумага не выдерживает постоянного света, потому большую часть времени работы не выставляются.
Особое место в коллекции графики занимают работы, подаренные Артуро Шварцем, известным итальянским коллекционером и исследователем дадаизма и сюрреализма; Альбертом Фельдманом и Чарльзом Дж. Розенблюмом – людьми, чьи имена прочно связаны с поддержкой графики XX–XXI веков
Важнейшим разделом выставки стал проект Pace Prints, в рамках которого представлены уникальные и лимитированные отпечатки, созданные в нью-йоркских мастерских совместно с художниками. Работы редко покидают фондохранилище: бумага – материал хрупкий. Именно поэтому показ столь масштабного корпуса – редкая возможность увидеть во всей полноте собрание, которое обычно скрыто от публики. Pace Prints – издательство и галерея оригинальных, лимитированных печатных произведений современного искусства, основанное в 1968 году в Нью-Йорке.

Суть же выставки – воплощенная идею рассказать невероятную историю восприятия искусства и развития печатной графики на протяжении 600 лет. Историю того, как этот The Medium совершил едва ли не самую радикальную демократизацию искусства,  превратив  визуальную культуру  в The Message, доступный самым разным слоям общества – от ученых и коллекционеров до простых горожан, которые могли впервые держать в руках произведения искусства или сатирические листки.
Все началось с бумажной промышленности, с бумаги, на которой можно было распространять любую информацию – религиозную, политическую, пропагандистскую, – а закончилось признанием печатной графики как высшей формы художественного выражения.
Графика давала возможность экспериментировать и общаться, задавать определенные ориентиры восприятия, символику, интерпретации. Графика была инструментом социальной критики, чему очевидный пример серии гравюр Домье и «Капричос» Гойи.

Отбор материала для выставки,  по словам ее куратора Тани Сиракович, был невероятно сложным: столько возможностей, столько рисунков и оттисков. «Речь шла о тысячах произведениях, потому отбор был очень избирательным. Мы включили в экспозицию лишь тех художников, для которых эстамп был не просто случайным экспериментом, а важной частью их художественной практики. И каждого из них мы представляем именно в том аспекте, где он привнес в технику что-то новое».

В экспозиции есть центральная «ось» – своего рода аллея, посвященная великим мастерам печатной графики, которые задали вехи в развитии искусства. Здесь представлены Мартин Шонгауэр – учитель Альбрехта Дюрера, сам Дюрер, Жак Калло, Рембрандт, Хогарт, Гойя, Пикассо.
Дюрер – мастер из Нюрнберга, который работал в переломное время, когда появление бумажного производства и развитие техники гравюры фактически произвели революцию. Во времена Дюрера печатная графика становилась важнейшим инструментом Реформации: Лютер и его сторонники использовали эстампы для распространения идей. Дюрер буквально произвел революцию: его работы начали собирать, они стали предметом торговли, появились коллекционеры. Он первым поставил на своих оттисках монограмму, что стало важнейшим шагом к появлению авторского права.

Рембрандт – еще один гигант, которого невозможно обойти. Его офорты, возможно, даже интереснее его рисунков. Он довел технику офорта до невиданной выразительности, экспериментировал с разной глубиной травления, с эффектами света и тени. В его библейских сюжетах, например в сцене «Жертвоприношение Авраама», можно увидеть, как он использует свет не только как физическую категорию, но и как символ – божественный свет озаряет лицо Авраама.
Печатная графика была и средством социальной критики. Жак Калло, мастер офорта, разработал собственные инструменты для гравировки и контролировал весь процесс – от рисунка до печати. Он был исключительно графиком и внес важные усовершенствования в технику офорта, работая во Флоренции, в том числе при дворе Медичи. Калло разработал новую иглу, позволявшую изменять толщину линии, и усовершенствовал грунт, что позволило протравливать пластины глубже. Его серии, посвященные ужасам войны, до сих пор поражают беспощадной откровенностью. Особенно известна серия «Ужасы и бедствия войны» (1633) о Тридцатилетней войне. Калло изображает калек, бродяг, сцены насилия, и делает с документальной точностью.
Гойя продолжил эту линию в своих «Капричос», разоблачая предрассудки, фанатизм, суеверия. Его акватинты создают бархатистую глубину тона, почти живописную, и благодаря этому эффекту серия производит особенно сильное впечатление.
И наконец, Пикассо – пожалуй, самый великий из всех. Он досконально изучил всё, что делали его предшественники, и создал собственную революцию. Его серия «Минатавромахия» – автобиографична: он отождествлял себя с Минотавром.  Для Пикассо работа в технике эстампа стала одной из центральных частей его творчества: именно здесь он находил новые формы эксперимента и давал себе творческую свободу.

То, что художники позволяли себе в печатной графике, они зачастую не решались делать в живописи. Тулуз-Лотрек использовал эстамп для переноса на бумагу влияния японских гравюр, которое не столь очевидно в его живописи. Эстамп давал художникам свободу – поэтому именно он снова и снова становился полем для больших экспериментов и оставался на авангарде художественного процесса.

После Второй мировой войны искусство изменилось, изменился и эстамп – все стало большим, все стало цветным, все стало абстрактным. Возникло множество вопросов: куда направлено искусство после войны?  Один из ответов  на этот вопрос дал Матисс в своем цикле  «Джаз», влияние которого невозможно переоценить: на поп-арт, на дизайн, на всё. В последние двадцать лет своей жизни Анри Матисс, уже физически не способный писать как прежде, разработал новую технику – «рисование ножницами». Она позволила ему выразить главное в его искусстве – цвет, линию, пространство, фактуру. Матисс подводил своего рода итог всему, что сделал. Сначала он хотел назвать цикл «Цирк» – и действительно, тут есть и канатоходцы, и львы, и Икар. Но в итоге он выбрал название «Джаз», потому что именно импровизация становится главным принципом. Он говорил: «Мои вырезанные фигуры – не безумие, а импровизация». Знаковая книга «Джаз» включает двадцать цветных оттисков на основе бумажных вырезок, посвящённых цирку, музыке, фольклору и путешествиям.

Монументальная литография Кристиана Марклея «Манга-свиток» превращает слова в графическую партитуру. Марклей (все помнят его «Часы»?)  – мультидисциплинарный художник.  В данном случае он взял японские  манга, перевел тексты на английский, превратив слова  в визуальную топографию и создав «говорящий свиток» на тонкой японской  бумаге гампи.

В 1960-е годы в США возник поп-арт – отклик на послевоенное благополучие и избыточность медиа, превративший образы повседневности в выразительные визуальные высказывания. Поп-арт бросал вызов традициям изобразительного искусства, обратившись к популярной культуре – рекламе, комиксам, потребительским товарам – и широко использовал печатную графику, усиливая язык массовой культуры.
Энди Уорхол применил промышленную трафаретную печать для создания серий повторяющихся изображений. Подражая коммерческой печати, Рой Лихтенштейн воспроизводил резкую графику, кадрирование и технику офсетных комиксов, одновременно высмеивая и прославляя американскую визуальную культуру. Роберт Индиана превратил текст в иконографию.
Художники поп-арта использовали шелкографию, потому что она позволяла печатать большие тиражи – по двести, по триста оттисков. Они брали нечто  «высокое» и превращали его   в продукт, в бренд, даже в объект потребления.

Израильские художники: безусловно, нельзя обойти Моше  Гершуни. Многосторонний художник Моше Гершуни, особенно известный своими чувственными, экспрессивными живописными работами, в разные периоды своей карьеры обращался к технике печатной графики. В 1984 году он создал «Кадиш» – серию из восьми монументальных офортов. В каждом произведении присутствует одно из восьми слов, прославляющих Бога, из начала кадиша – центральной еврейской молитвы, которую также читают в память об умерших. Искусство Гершуни часто включает значимые слова и фразы, и выбор литургических слов отражал его постоянное обращение к теме смерти в еврейском и израильском контексте. Каждое слово молитвы превращено в образ, где можно различить ангелов, демонов, зародыши, лица, цветы цикламена.

Женский взгляд:
В 1960-е и 1970-е годы появилось феминистское искусство, которое стремилось оспорить традиционные представления о женщине. Печатная графика стала ключевым средством в утверждении новых нарративов, в которых личный, домашний и телесный опыт выходил в центр художественного высказывания. Темы продолжают волновать художниц, представленных на выставке, – от таких пионеров, как Луиз Буржуа и Кики Смит, до ведущих израильских художниц, таких как Хила Лулу Лин, Фарах Куфер Бирим и Майя Зак.
На выставке представлен «Свиток случая» художницы Мерав Саломон, которая рассказывает личную историю. В «Свитке случая» отражена историю о том, как её прабабушка помогла группе молодых женщин выжить в Освенциме, подкрашивая им губы и щёки помадой (которую прятала на своем теле), чтобы они выглядели достаточно здоровыми и их не отправили в газовую камеру. Группа пережила марш смерти до лагеря Берген-Бельзен, но прабабушка Мерав Саломон, заболела тифом и умерла вскоре после освобождения лагеря. Потрясающая история…

И в завершение  – невозможно рассказать обо всем – о  работе израильского художника Эли Романа. Во время пандемии Covid 19 он создал машину, которая генерировала изображения, созданные диалогом между ним и искусственным интеллектом. Позже он он перенёс изображения на холст, печатая их серебряными чернилами на чёрном фоне. Пейзажи, которые выглядят абсолютно реальными, полностью созданы воображением ИИ.
Куда дальше пойдёт искусство печати, какие новые границы оно откроет? Сегодня есть компьютерная графика, гибридные техники, искусство продолжает меняться на наших глазах. Сама выставка и есть большой знак вопроса о будущем печатной графики и о том, как размываются ее границы. Каковы будут новые открытия? Скоро узнаем.

*****

«The Medium and the Message: шесть веков печатной графики»
Музей Израиля, Иерусалим
9 сентября 2025 года – 2 июня 2026 года
Куратор: Таня Сиракович
Ассистенты куратора: Лола Виленкин, Нирит Шарон Дебель
Дизайн экспозиции: Ширли Яхаломи