Share

Tweet

Share

Share

Email

Comments

Верхняя иллюстрация — работа Алека Ваксмана

Я  давно связана с ярмаркой-выставкой «Свежая краска»,  поэтому последние 17 лет  каждый год не устаю удивляться разнообразию идей, людей, подходов, техник, жанров, стилей, школ, галерей, художественных направлений — и заражающим энтузиазмом организаторов этой ярмарки, их умению делать всё: от поиска инвестиций до развешивания акварелей, их умению привлекать людей к сотрудничеству и к  участию в «Свежей краске» из года в год. Вижу, как ежегодно на ярмарку приходят 40.000 зрителей. И вижу, как всё больше репатриантов принимает участие в этой ярмарке — от совсем недавно приехавших до тех, кто вырос здесь в семьях репатриантов и тех, кто прошёл двойную иммиграцию, репатриантов  из разных стран, а не только из республик бывшего Советского Союза. О некоторых участниках-репатриантах того или иного года призыва, выставляющихся в рамках «Теплицы» на «Свежей краске 2026»  можно прочитать (и посмотреть на их работы) в предлагаемом ниже  лонгриде. А вот по этой  ссылке  https://catalog.freshpaint.co.il/en/artists-greenhouse/  есть небольшие видео от каждого из участников. Очень советую взглянуть. Не удивляйтесь, что все наливают себе в бокалы в вино винодельни Teperberg   — именно эта винодельня поддержала столь замечательную  видео-вино-инициативу. При поддержке винодельни Teperberg и в сотрудничестве с журналом Portfolio были созданы личные видео в формате Meet the Artists для всех художников «Теплицы» под заголовком «Следующее поколение израильского искусства». 

Вероника Фёдорова
Instagram: @f.verover
32 года | Живёт и работает в Тель-Авиве
Художница-самоучка. Окончила курс живописи в студии художника Артёма Носова и обучалась на курсах при Академии художеств в Санкт-Петербурге. В 2017 году получила степень бакалавра по китайским исследованиям в Санкт-Петербурге.
В 2022 году репатриировалась из Санкт-Петербурга вместе с мужем, семья которого живёт в Израиле.
На ярмарке художница представляет полиптих, состоящий из одиннадцати небольших живописных работ маслом размером 20 × 15 см, задуманных как единая инсталляция. В центре композиции находится живая фигура, окружённая фрагментами натюрморта. Работа создаёт визуальное пространство, в котором хрупкие формы существуют внутри тихой и интимной среды.

Произведение рассказывает о стремлении сохранить и защитить ускользающие мгновения, создать успокаивающее присутствие внутри ощущения уязвимости. Наряду с этой инсталляцией будут представлены и другие живописные произведения.
В последнее время художница также работает над серией объектов, заключённых в эпоксидную смолу. Внутрь прозрачной оболочки она помещает хрупкие и нежные элементы, создавая защищённый мир, своеобразное убежище. Её интересуют память и утрата, но одновременно чистота и желание сохранить жизнь.
Академический опыт изучения традиционной китайской визуальной культуры сформировал художественную практику Вероники Фёдоровой и утвердил для неё значение медленности, внимательности и созерцания в самом процессе творчества.
Она работает преимущественно маслом на холсте, чаще всего в небольшом формате, и сосредоточена на натюрморте и небольших фигуративных мотивах, обращаясь к темам памяти, утраты и сохранения жизни. Источниками вдохновения становятся личные воспоминания, тонкие материальные впечатления и старые музыкальные записи, которые кажутся ей почти подводными — тёплыми, немного пыльными и очень интимными.
Художница продолжает осваивать новые направления искусства — занимается резьбой по дереву, работает в различных живописных техниках и в последнее время экспериментирует с плёночной фотографией. Однако главным её медиумом остаётся масляная живопись.
В период жизни в Армении семья жила в маленькой квартире, где не было возможности работать над большими полотнами. Именно тогда Вероника увидела маленьких фарфоровых кукол советского времени и была очарована их наивностью, чистотой и внутренней ясностью. Она начала их собирать и изображать в своих произведениях.
Совместно с коллегой Фёдорова создала проект в Кирьят ха-Мелаха. Они находили отверстия в стенах и помещали внутрь различные предметы. Проект отсылает к детской игре, когда она выкапывала в земле небольшие ямки, прятала в них разные вещи и вновь засыпала землёй, создавая своеобразные тайные сокровища.

Игорь Микуцкий
Instagram: @igor.mikutski
31 год | Живёт и работает в Тель-Авиве
Окончил художественное отделение школы «Лео Бек» в Хайфе. В 2018 году изучал живопись у Анны Лукашевской, позднее участвовал в программе сопровождения художников у Циби Гевы. В течение года учился на факультете искусств Академии «Бецалель», однако оставил учёбу, почувствовав несовместимость с академической средой.
Художник репатриировался в Израиль из Беларуси в шестилетнем возрасте. В его семье никто не был связан с искусством. Несмотря на обучение в художественном отделении школы, увлечение граффити в юности и близость к визуальной культуре, по-настоящему он открыл для себя мир искусства именно во время занятий у Анны Лукашевской, которая дала ему техническую базу и глубокое понимание цвета.

На ярмарке представлены три серии абстрактных работ, созданных в течение последнего года. Среди них есть как небольшие камерные произведения, так и крупноформатные полотна, выполненные преимущественно аэрозольной краской и промышленным акрилом на холсте и бумаге.
Работы существуют в постоянном напряжении между порядком и случайностью. С одной стороны, художник использует малярную ленту и японский нож, создавая строго организованные структуры, с другой — допускает случайные выбросы краски и непредсказуемые химические реакции, возникающие при взаимодействии материалов, например с ацетоном. Это постоянная игра между контролем и хаосом.
Микуцкий экспериментирует с различными методами работы: распыляет краску под давлением, рвёт и обжигает холст. Некоторые произведения были созданы зимой, когда он выносил картины на крышу и позволял проливному дождю омывать их в течение нескольких часов.
Путь художника начался с граффити. На протяжении многих лет он создавал и продолжает создавать теги и настенные росписи, а его интерес к современному искусству во многом связан с попыткой осмыслить переход от уличной живописи к студийной практике и найти точку соединения этих двух миров.
Долгое время Микуцкий занимался фигуративной живописью. Однако с началом войны его творчество интуитивно стало абстрактным, и с тех пор он работает исключительно в этом направлении.
Его живопись исследует цвет, фактуру и форму. Работа в мастерской чрезвычайно разнообразна, однако всегда начинается с выбора цветовой палитры и подготовки основы — фанеры, бумаги или холста.
Художник обычно работает одновременно над несколькими произведениями. Он может разложить десять полотен и совершить над ними первое действие, затем переключиться на другой проект и спустя длительное время вернуться к следующему этапу работы над всей серией. Некоторые произведения создавались больше года, и именно эта длительность процесса придаёт им особую глубину.
Первые действия в работе над картиной максимально свободны и интуитивны,  тогда как промежутки между ними, время размышлений и ожидания могут продолжаться часами и даже днями. Второй этап, как правило, гораздо более продуман и возникает как реакция на первоначальный импульс. Так формируется поэтапный процесс, продолжающийся до тех пор, пока художник не почувствует, что работа завершена.
Принять решение о завершении произведения ему особенно трудно. Раньше из-за бесконечных переработок он нередко разрушал собственные картины. Со временем научился останавливаться вовремя, хотя иногда по-прежнему «прячет» работы в коридоре за пределами мастерской, чтобы посмотреть на них свежим взглядом.
Значительная часть его вдохновения рождается из наблюдения за городской средой: исписанными стенами, оборванными афишами, железными трубами кондиционеров и другими случайными элементами улицы. Именно эти неожиданные визуальные сочетания он стремится уловить и перенести в свои произведения.
С некоторым опозданием художник открыл для себя творчество Рафи Лави и Моше Купфермана и обнаружил близость их художественных поисков собственному подходу. Сегодня его практика сочетает чрезвычайно экспрессивное и интуитивное начало с очень точной и тщательно продуманной работой.

Наталия Волков
Instagram: @natiwolfoto
30 лет | Живёт и работает в Иерусалиме
Выпускница отделения фотографии Академии «Бецалель» (2025). До этого изучала компьютерные науки и статистику.
Репатриировалась в Израиль в 1999 году, когда ей было три года. Первые годы жизни провела между Россией и Израилем и лишь с десятилетнего возраста постоянно живёт в стране.
На ярмарке представлены работы из двух проектов.
Первый проект — «Тоска по дому, которого никогда не было», включающий фотографии и скульптуры. Его источником стало ощущение непринадлежности: в Израиле — как у репатриантки из России, и одновременно в России — как у человека, выросшего в Израиле.
Семья постоянно переезжала с квартиры на квартиру, и единственным постоянным местом детства оставался дом бабушки в России, куда Наталия часто приезжала. Проект возник в период очередного переезда в Израиле, когда она остро почувствовала потребность создать для себя пространство домашнего уюта. Тогда она решила включить в него скульптуры бытовых предметов, созданные по фотографиям, сделанным во время последнего визита к бабушке.
Второй проект — «Забытое» — основан на фотографиях заброшенных пространств Израиля и объектах, созданных на их основе. Его движущая сила — страх быть забытым, покинутым и остаться в одиночестве.

Отправной точкой её творчества является фотография, однако постепенно ей стало тесно в пределах одного медиума. Сегодня её практика развивается в двух направлениях: с одной стороны — фотография, с другой — трёхмерные объекты, скульптура и инсталляция.
Она использует отпечатки фотографий как сырьё для создания объектов, предварительно разработанных в компьютерных программах. Художница постоянно движется между точностью, необходимой для создания скульптуры, и отказом от полного контроля над результатом.
Основными темами её творчества остаются память, дом, чувство принадлежности и психическое здоровье. Источником вдохновения служит прежде всего её внутренний мир и собственный опыт.
Наталия выросла в иерусалимском районе Кирьят ха-Йовель, который сегодня переживает серьёзные изменения: старые дома исчезают, уступая место масштабной реновации и более обеспеченным жителям. Для неё этот процесс связан с болезненным переживанием утраты привычной среды.
Её дипломный проект также вырос из фотографий дома бабушки, которые впоследствии превратились в объекты, размещённые в её собственном жилом пространстве. Именно появление элементов из бабушкиного дома позволило ей почувствовать себя дома.
Кроме художественной практики, Наталия сотрудничает с труппой «Иерусалимский балет» в различных проектах. До двадцати лет она сама серьёзно занималась танцами. Её работы были представлены в проекте Spark под кураторством Яары Закс и экспонировались в галерее Художественных мастерских Иерусалима.

Алек Ваксман
Instagram: @alecwaxman
28 лет | Живёт и работает в Тель-Авиве-Яффо
Художник-самоучка. Окончил Университет Дьюка (США), где изучал компьютерные науки и историю искусства.
Четыре года назад репатриировался в Израиль и проходил службу в качестве солдата-одиночки в технологическом подразделении Армии обороны Израиля.
Проект включает серию пейзажных произведений, посвящённых встрече природы, созданных человеком сооружений и человеческого присутствия.
Все работы выполнены маслом, часть из них сочетает смешанные техники и фотографические элементы, созданные при помощи компьютерных технологий. Некоторые произведения содержат слои дополненной реальности, расширяющие живописное пространство и выводящие его в цифровое измерение.
Проект основан на исследовании преимущественно израильских пейзажей. Особенно важны для художника пустыня и морское побережье, служащие для него источником вдохновения как в визуальном, так и в концептуальном смысле.
Алек рисует с шести лет и на протяжении всей жизни посещал художественные студии и кружки. После окончания университета работал разработчиком программного обеспечения, одновременно продолжая активную художественную практику.
Основным медиумом художника остаётся масляная живопись. Работа начинается с изучения и фотографирования пейзажа. Затем он использует цифровые инструменты, включая искусственный интеллект, для разработки композиции, которую позднее развивает в воображении и только после этого переносит на холст.

Практически все его работы содержат видеослои, доступные через созданное им приложение дополненной реальности.
В последние годы художник сосредоточен на исследовании взаимоотношений человека и природы — как в романтическом представлении о маленьком человеке перед лицом грандиозного мира, так и в поиске их взаимного соединения. Его интересуют одиночество, изоляция и положение личности по отношению к обществу.
На его художественное мышление существенно повлияла эстетика романтизма. Важную роль в произведениях играют огромные пейзажи и маленькие человеческие фигуры. Персонажи на его картинах почти всегда неузнаваемы и лишены индивидуальных черт: важным остаётся лишь их место внутри природы.
Художника вдохновляют места, в которых он бывал. Он стремится уловить сюрреалистическую сущность пространства. Один из диптихов был создан под впечатлением от посещения пляжа Гааш.
Значительное влияние на него оказало творчество Джеймса Таррелла.
Алек особенно ценит разнообразие израильского ландшафта и любит путешествовать по пустыне в одиночку. Именно израильские пространства стали для него источником художественных и философских размышлений о месте человека в мире природы.

Белла Хвацкин
Instagram: @bella__arta
48 лет | Живёт и работает в кибуце Лехавот ха-Башан
Окончила отделение искусства, сценографии и дизайна Хайфского университета.
Междисциплинарная художница, художник по сценографии и костюмам, руководитель общественной художественной организации «Кен бе-Рибуа». После создания организации больше не возвращалась к преподаванию.
Проект носит название «Портреты внутреннего мира: когда тело остаётся последним убежищем».
На протяжении последних пяти лет её искусство превратилось в исследование взаимоотношений между внешним и внутренним пространством тела. Через свои произведения художница изучает полярность между внутренними системами организма и внешними системами, окружающими человека.
Пока внешний мир пребывает в состоянии хаоса, наполнен войнами, политическими потрясениями, экономическими кризисами и эпидемиями, внутренний мир тела остаётся самим собой.

После 7 октября жизнь в кибуце на северной границе превратилась для неё в непрекращающееся испытание. Всё, во что она верила, прежде всего иллюзия контроля над собственной жизнью и доверие к людям, рухнуло в один день.
В разные периоды творчества Белла Хвацкин создавала совершенно разные художественные циклы.
Она выполняла автобиографические рисунки на страницах итальянской коммунистической детской книги «Чиполлино», создавала масштабные произведения, посвящённые женскому телу и жестокому женскому взгляду на самих себя, а также поп-арт-коллажи на основе иллюстраций из старых художественных книг.
Во время пандемии художница сожгла двадцать шесть своих картин в знак протеста против локдауна, закрывшего культурные институции и оставившего людей в изоляции.
После начала войны она долго не могла вернуться к искусству и неожиданно для себя обратилась к анатомическим атласам. Погружение внутрь тела приносило ей покой и ощущение устойчивости, поскольку организм продолжает функционировать независимо от происходящего вокруг.
Её муж — психотерапевт, работавший с военнослужащими и переживший сердечный приступ. Этот опыт ещё сильнее укрепил её интерес к внутренней жизни организма.
Художница берёт анатомические схемы и постепенно разбирает их, создавая всё менее логичные конструкции тела. Её занимают теоретические вопросы: что произошло бы, если бы сердце находилось на месте мозга? Почему человек настолько сосредоточен на происходящем на поверхности и столь мало понимает процессы, происходящие внутри собственного тела?
В последние годы именно отношения между внешним и внутренним стали центральной темой её искусства. Она продолжает искать новые материалы и активно использует искусственный интеллект, трёхмерную печать и другие технологии.

Саша Никитина
Instagram: @merlutamiangolla
32 года | Живёт и работает в Хайфе
Изучает искусство с 15 лет. Окончила отделение живописи в Санкт-Петербурге и Академию художеств Санкт-Петербурга, где в течение шести лет обучалась классическому искусству. Получила степень магистра искусств в Хайфском университете, а в настоящее время изучает печатную графику в мастерской Шарон Полякин при Хайфском университете.
Три года назад репатриировалась в Израиль из Санкт-Петербурга.

На ярмарке художница представляет серию живописных работ, включающую кадры из российского телесериала «Улицы разбитых фонарей», сфотографированные камерой мобильного телефона с экрана ноутбука.
Её интересует, каким образом свет экрана переходит из цифрового медиума в живопись и какие искажения и помехи возникают в процессе этого перехода. Особое внимание она уделяет природе экранного света и его связи с насилием.
Также будет представлена серия эстампов, основанная на слоях абстрактных образов, извлечённых из кадров полицейских сериалов и криминальных программ: сцен погонь, дорожно-транспортных происшествий и других подобных эпизодов.
И в живописи, и в печатной графике важное место занимает кириллический алфавит. Он становится одновременно знаком отчуждения и маркером идентичности художницы как иммигрантки.
Саша Никитина получила классическое художественное образование, основанное на фигуративной живописи и работе с натуры, что продолжает существенно влиять на её творчество.
Она работает преимущественно маслом на холсте. Российская академическая школа, которую прошла художница, предполагала множество ограничений, в том числе недопустимость чрезмерно экспрессивного обращения с цветом. Стремясь сохранить верность традиции, она одновременно ищет собственный современный художественный язык.
В последние годы художница работает главным образом с отдельными кадрами, скриншотами и фотографическими образами. Её особенно привлекает визуальный язык российских полицейских сериалов и криминальных телепрограмм 1990-х годов. Этот материал стал особенно значимым во время войны с Ливаном: образы оказались травматичными, но одновременно знакомыми и потому воспринимались как своеобразное безопасное пространство памяти.
Художницу интересуют явления экранной культуры: свет монитора, полосы, возникающие при съёмке экрана, и способы, которыми изображение искажается и трансформируется. Её занимают насилие, связанное со светом, состояние открытости чужому взгляду и человеческая уязвимость перед ним.
Поскольку она получила классическое образование, её особенно интересуют подражание, фильтрация изображения и способы, которыми различные репрезентации реальности смешиваются между собой.
Напряжение между массовой уличной культурой и высокой культурой остаётся одной из центральных тем её искусства.
Большинство её живописных работ создаётся на холстах повторного использования. Многие из них были подарены однокурсниками, другие приобретены в магазинах подержанных вещей или найдены на улице. Художница намеренно оставляет видимыми фрагменты прежнего изображения, скрытого под новым слоем, — словно своеобразное подсознание картины.
В печатной графике она использует бывшие в употреблении цинковые пластины, благодаря чему в произведениях возникают накопления образов и слоёв. Основной техникой её работы в эстампе является сухая игла с элементами травления.
Источниками вдохновения для неё служат кино, популярная музыка, полицейские сериалы и криминальные программы, а также живопись начала XX века — импрессионизм, постимпрессионизм и русский авангард. Среди современных художников, оказавших на неё влияние, — Люк Тёйманс, Сан У Ким, Хилель Роман, а также художники и авторы, связанные с московской школой TZVETNIK.

Валерия Ганзман
Instagram: @littlepurpleflowers.art
36 лет | Живёт и работает в Хайфе
Выпускница Академического центра дизайна и образования «ВИЦО Хайфа» (2016), где изучала фотографию.
Родилась в Хайфе и выросла в Ноф ха-Галиль.
На ярмарке Валерия представляет серию произведений, балансирующих между фигуративной и ботанической живописью. Она работает в различных техниках: акрилом и маслом на холсте, гуашью на бумаге, а также использует акварель, изготовленную вручную, на бумаге ручной работы, произведённой в Калифорнии и имеющей неровные необрезанные края.

В центре её работ находятся цветы и одновременно косвенное, но непрерывное размышление о женском теле.
Интерес к этой теме возник ещё во время учёбы, когда художница много работала с автопортретами, фотографировала собственное тело и документировала жизнь своей бабушки, ставшей одним из главных источников её вдохновения.
В 2017 году Валерия заболела раком молочной железы и прошла длительный период лечения и восстановления. После болезни тема тела стала для неё чрезвычайно болезненной, а после смерти бабушки она вообще перестала фотографировать.
Именно тогда она вернулась к живописи и вновь обратилась к теме тела, но теперь исследует её через изображения цветов. Они стали для неё более деликатным языком разговора о женственности, теле, жизни и смерти.
Живопись превратилась в пространство исцеления и внутреннего диалога — место, где можно приблизиться к тому, что причиняет боль, не испытывая страха.
В центре её творчества находится женское тело как объект непрерывного личного исследования.
Практика художницы соединяет внутреннее созерцание и интуитивную работу. Она работает сериями, вновь и вновь возвращаясь к образам, которые её занимают.
Источниками вдохновения становятся личный опыт, отношения с собственным телом, память и переживание болезни, а также наблюдение за природой и растениями, превратившимися для неё в особый визуальный и эмоциональный язык.
Несмотря на профессиональное образование в области фотографии, Валерия признаётся, что так и не почувствовала себя настоящим фотографом. Именно возвращение к живописи позволило ей найти собственный способ говорить о травме, памяти, женственности и внутреннем исцелении.

Ольга Стаднюк
Instagram: @o_incircles
38 лет | Живёт и работает в Тель-Авиве-Яффо
Художница-самоучка. Окончила факультет дизайна интерьера, среды и архитектурного пространства колледжа «Шенкар». Во время учёбы участвовала в программе студенческого обмена в Академии дизайна в Эйндховене. Изучала кураторство под руководством Галит Гаон и окончила программу кураторских исследований.
После окончания учёбы вошла в состав нескольких художественных коллективов, в том числе «Время реакции» и PAD Lab — Post Anthropocene Design Lab, созданного в сотрудничестве с Royal College of Art.
В раннем детстве репатриировалась в Израиль из Советского Союза. В юности занималась классическим балетом и современным танцем. В восемнадцать лет переехала в Нью-Йорк, где прожила восемь лет, изучая хореографию и биологию и одновременно занимаясь танцем.
Позднее вернулась в Израиль, изучала дизайн и кураторское дело в «Шенкаре», работала дизайнером в стартапе, занимавшемся биометрической идентификацией.

Художница представляет серию работ, исследующих попытку унести с собой место и сохранить идентичность в реальности постоянных перемещений и временности.
Проект развивается из непрерывного движения между местами и идентичностями — от репатриации в детстве до многих лет жизни в Нью-Йорке и многочисленных переездов между странами.
В последние годы, на фоне войны и воздушных тревог, мысль о том, что человек возьмёт с собой, если однажды придётся внезапно покинуть дом, перестала быть абстрактной и превратилась в повседневную экзистенциальную реальность.
Проект вдохновлён исследованием временных сооружений и материалов, которые мигранты и беженцы используют для воссоздания элементов утраченного дома. Изучая работы фотографов, документировавших лагеря беженцев, в том числе в Кале и в центре временного содержания «Холот», художница увидела, каким образом текстиль становится материалом утешения и сохранения идентичности.
Она использует пузырчатую плёнку, сетки, губчатые материалы и листы фанеры, нарезанные полосами наподобие жалюзи, на которые наносит цифровые изображения значимых для неё мест.
Изображения подчиняются структуре материала: они прерываются, искажаются и распадаются, подчёркивая болезненный разрыв между живым образом дома и временной, фрагментарной основой, на которой он пытается существовать.
Использование упаковочных материалов становится символом отчаянной попытки буквально «упаковать» идентичность в мире, где земля уходит из-под ног.
Творчество Ольги Стаднюк движимо стремлением раскрыть скрытые связи между людьми и между человеком и пространством.
Она воспринимает окружающую среду как единый активный сеттинг, воздействующий на человека и раскрывающий определённые качества личности.
В последние годы художница активно использует технологии — программный код, видео и сенсоры — как инструменты наблюдения, позволяющие вывести на поверхность динамику, которая иначе оставалась бы невидимой. Она создаёт интерактивные инсталляции, основанные на данных и сенсорных системах, соединяющие физическое и цифровое пространство.
Нынешний цикл работ знаменует её возвращение к непосредственной работе с материалом и к прямой встрече изображения с его материальным носителем.
Фотографии в её работах всегда сделаны ею самой и изображают пространства, в которых она ощущает перспективу, будущее и чувство принадлежности.
В этот же период жизни в Нью-Йорке художница работала «музой» в мастерских Игаля Озери и Кохи Доктори, где сама превращалась в образ, увиденный глазами другого человека.
Под влиянием опыта работы с технологиями она создаёт произведения, реагирующие в реальном времени на человеческое присутствие и входящие данные, формируя художественный опыт через сам процесс взаимодействия.
Цикл Losing Ground («Теряя почву») получил новый импульс во время резиденции в Центре Ротшильда. Параллельно художница создаёт независимую студию, в которой разрабатывает творческие процессы с использованием искусственного интеллекта и работает над коллективными проектами, основанными на человеческом участии — сборе снов, образов и представлений о будущем, становящихся материалом для произведения в режиме реального времени.
Преподаёт в «Шенкаре» курс, посвящённый искусственному интеллекту как партнёру в творческом процессе.

Михаил Иванов
Живёт и работает в Израиле.
Родился в Москве. Изучал архитектуру и работал архитектором, занимаясь проектированием зданий и интерьерным дизайном.
Два года назад репатриировался в Израиль.
Большинство его работ представляют собой коллажи и ассамбляжи из материалов, найденных на улице.
Один из проектов связан с музыкальной драмой Рихарда Вагнера «Тристан и Изольда», а именно с её финальным эпизодом — «Liebestod» («Любовная смерть»). Художника интересуют темы любви и насилия, взаимного притяжения и разрушения.

Другой проект обращён к его российскому опыту и посвящён размышлению о том, как страна утратила демократические основы и каким образом красивые и возвышенные слова способны превращаться в маску, скрывающую противоположную реальность. Эта работа напоминает своеобразную каллиграфию на пальмовых листьях.
Центральное место в его художественной практике занимают связи между культурами, эпохами и различными историческими пластами. Работая с найденными материалами и предметами, художник создаёт произведения, в которых личная память соединяется с коллективной историей, а архитектурное мышление взаимодействует с визуальным языком современного искусства.

Эли Шпильман
25 лет | Живёт и работает в Израиле
Новый репатриант из Бельгии. Приехал в Израиль в шестнадцатилетнем возрасте. Кроме ближайшей семьи, родственников в стране у него нет.
Эли вырос в еврейской среде — учился в еврейской школе, участвовал в молодёжном движении и воспитывался в семье, где искусство было неотъемлемой частью повседневной жизни. Его родители коллекционировали произведения искусства, а общение с друзьями семьи неизменно происходило в окружении картин и художественных объектов.
Он вспоминает, что искусство присутствовало не только дома, но и в социальной среде. В этой атмосфере исчезло табу вокруг обнажённого тела, эротики и телесности вообще.
С детства постоянно что-то создавал. Творчеством занимались и его братья, поэтому рисование и изготовление различных объектов воспринимались как естественная часть жизни и любимое занятие. Родители всегда поощряли детей к творчеству.

Уже тогда ему нравилось работать на нетрадиционных поверхностях — скейтбордах, обоях, пробковых досках и других неожиданных материалах.
В последний год художник начал заниматься тафтингом. Именно в этот период он примирился со своей сексуальностью и идентичностью и позволил себе исследовать мужские образы, которые узнаёт, любит и к которым испытывает влечение.
Познакомившись с техникой тафтинга, он почувствовал, что нашёл собственный художественный язык. Его привлекает то, что эта техника одновременно нетрадиционна, чрезвычайно систематична и требует кропотливого, почти медитативного труда. Она предполагает непосредственный физический контакт с материалом и вместе с тем обладает аналитической составляющей.
Художник написал программу, которая разбивает изображение на цветную сетку, после чего переносит её на ткань. Таким образом цифровой процесс соединяется с ручным трудом и превращается в часть его художественного метода.

Мика Чесно
27 лет. Живёт в Нетании.
Instagram: @mikka_loves
Родилась в Зимбабве в семье выходцев из Южной Африки и выросла в Кейптауне, в еврейской общине, в атмосфере творческой свободы и поддержки. Природа Южной Африки, дикие животные и художественная среда семьи по-прежнему остаются для неё важнейшими источниками вдохновения.
Восемь лет назад приехала в Израиль и решила репатриироваться. Прошла военную службу, во время которой осознала, что искусство помогает ей справляться с трудностями и осмысливать пережитый опыт.
Окончила Академию искусства и дизайна «Бецалель», получив в 2025 году степень бакалавра искусств, и готовится к поступлению в магистратуру в Royal College of Art.
Работает акриловыми и масляными красками. Её творческий процесс часто начинается с впечатления от книги, фильма или случайно увиденного образа. Затем появляются эскизы и поиски композиции, хотя иногда работа развивается спонтанно, без заранее определённого результата.
Мику привлекают темы сексуальности, женственности, наслаждения и смерти. Она исследует через них личные отношения, уязвимость, тоску, принятие и отвержение. Её работы отличают насыщенные цвета, обилие деталей, юмор и элементы табу; порой в эмоционально тёмных пространствах возникают вспышки желания и света.

Художница также интересуется сторителлингом — созданием сцен, пространств и персонажей. Через искусство она выражает свои самые глубокие чувства и самые смелые идеи, связанные с отношениями между людьми, обществом, религией и традицией.
Серия работ «Сложная любовь» содержит отсылки к истории искусства и посвящена сложностям любви и человеческих взаимоотношений.
Отдельное направление её творчества исследует связь между женщиной и животным. Этой теме был посвящён и дипломный проект художницы, в котором многочисленные образы лебедей, эротика, насилие и боль раскрывают скрытые эмоциональные напряжения, существующие под поверхностью.
Проект, представленный на ярмарке, вырос из личного опыта репатриации и переезда из Южной Африки в Израиль. Эти произведения соединяют фантазию и стремление к бегству от реальности с внимательным взглядом на сложную местную действительность, предлагая зрителю моменты нежности и внутренней паузы посреди неопределённости.
О себе Мика говорит, что постоянно преследует фантазию и словно существует между напряжением и освобождением, всё время находясь на пороге кульминации.
Продажа билетов на Fresh Paint 2026 и на экскурсии по ярмарке —  на официальном сайте https://www.freshpaint.co.il/